Artists
Exhibition Information
Artists: Kang Jungsuck, Daum Kim, Dong Kyu Kim, Sylbee Kim, RohwaJeong, Suh Bo Kyung, Byung-su Lee, Jungah LeeYang, Seung-il Chung, Yun Choi, Jeong Sik Ham
Exhibition Dates: February 7 – May 10, 2014
Exhibition Space: HITE Collection
Opening Hours: Monday-Saturday: 11am-6pm / Sunday, Holiday: closed
Website: http://www.hitecollection.com
HITE Collection’s first exhibition of the year 2014, entitled When the Future Ended, presents the works of 11 young artists from February 7 through May 10. In this exhibition Kang Jungsuck, Daum Kim, Dong Kyu Kim, Sylbee Kim, RohwaJeong, Suh Bo Kyung, Byung-su Lee, Jungah LeeYang, Seung-il Chung, Yun Choi, and Jeong Sik Ham participate on the recommendation of the 6 senior artists: hongsok Gim, Chankyong Park , Kyuchul Ahn, Inhwan Oh, Seoyoung Chung, and Yeondoo Jung. Rather than being regulated by specific age or career, they are seen as the artists of “the next generation”.
The artists are critical of the current phenomenon of neologism (e.g. 880,000 Won Generation, which is similar to the 1,000 Euro Generation of the West) or the society’s unilateral judgment that easily restrict today’s younger generation. This leads to their sense of awareness and hence sharing the sensibility within the scope of the politics, economy, society, and culture of this era. They work with those that are originated from their personal experience and form social ties by delivering the stories of their generation.
The exhibition title When the Future Ended is borrowed from the first chapter of Franco Bifo Berardi’s book, Precarious Rhapsody, to recognize the situation now in 2014 resembles that back in 1977, the time when Bifo started to realize the gap between workers and capitalism expedited by the rapid industrialization. 37 years have passed but people still struggle for survival, going through instable lives despite the growth of information technology and industry. This exhibition portrays each artist’s idea and perspective on such uncertain and ambiguous present.
By having the established senior artists recommend the younger artists, HITE Collection refuses the existing ways of artist selection based on competition, but rather embraces both generations to bring communication and understanding between the two generations. The exhibition catalog has texts and interviews of both senior artists and the participating artists, showing the difference between their artistic points of view.
Kang Jungsuck’s March into the night (2013) and A death mask for the rubber man (2013) begin with his own experience, but expands into a story about the artist’s generation. In March into the night Kang and his friends keep narrating their past events in the last 10 years, which are so common and mundane to happen in one’s 20’s. However recurring events like schools, part-time jobs, army and dates imply that these are the part of social structure.
Daum Kim’s works trace exhibitions. Floor maps are usually abandoned when brought outside the exhibition space. Compilation (2014) serves as a compilation of exhibitions, different floor maps collected as traces become new experience on a different level. On the other hand, all the process and relationships vanish as the exhibition is over, and the space is back to the state of white cube. In order to leave a trace of exhibition’s process and relationships, Kim carved this text on the wall: “If someone hates u for no reason give that jerk a reason”, which is also a famous line of Joker from The Dark Knight (2008).
Dong Kyu Kim is interested in behind stories or fate of abandoned images. A Nailhead for Escape (2013) is a story that chases the history of the abstract painting that he bought in Dongmyo flea market. Supply and distribution of goods take several roots and time, but how did the painting come to the market? Such curiosity made him look after its history, and it became one big diagram of a tangled web of histories of Dongmyo and Korean modern art. Eventually it is rather the history of how this society accepts and consumes images.
Sylbee Kim’s Song for M (2013) is part of her concern for self-recognition and its practice as an artist. She comes to think what she can do for a temporary visit to Momoshima, Japan, to where she got invited for the art base project. Prior to the departure, she predicts her stay in Momoshima and later visualizes it with real images of the island. This short video, however, is a myth that confuses fiction with non-fiction, revealing the artist’s ethics making an announcement easily of unknown place based on very little knowledge and time of visit.
During the last few years of conflict with the structural imbalance of the existing art system, RohwaJeong has learned to arouse minor subjects using their unique sense of humor and flexibility. Two different time (2013) is made by juxtaposing real toilet paper and another made of toilet paper tubes they used in Paris. Signature (2013) is also the artist’s signature made of dust, left in their residence in Paris. Dusts vanish easily with just one blow, but RohwaJeong uses it to turn the artist’s signature into a piece of art.
Suh Bo Kyung’s Summer vacation (2013) shows one woman running, doused with water, facing wind in the nature. Her actions may seem aimless, and it is interesting that the nature—meadow, wind, water, rocks—makes the woman’s physical body and actions distinct. For the audience it is ambiguous between penetrating her actions and enjoying the landscape scenery. Suh intersects protruding intervention with ordinaries, to show the anxiety inherent in everyday life.
In 102 Pictures of Hope (2011), Byung-su Lee exposes the economical reality that the young generation is currently facing through his personalized experience. Lee searches for an abstract concept of ‘hope’ by the concrete and physical experience of biking. He solely relies on the GPS navigation and in order to encounter ‘hope’, which can be as arbitrary as its abstract meaning, requires rather hard and desolate labor.
300/20 Project involves Jungah LeeYang‘s personalized experience of searching for a house that is 200,000 KRW a month with down-payment of 3,000,000 KRW. LeeYang reverses the relationship of one’s life being judged by conditions of the social structure, using and re-interpreting the distinct valuation system and economic indices of real estate. Her seven photographs are the visual outcome of property values converted into physical spaces.
Seung-il Chung intervenes the space by his work Where are you (2014). Fragments of space are simply reflected by the mirror in several different shapes and angles. Such reflection creates unexpectedly surprising scenes and spatial sense. His work provides a chance for the audience to directly experience and think. Chung avoids exaggerating his art with excessive language and theories, but rather makes it easy to comprehend.
Yun Choi brings kitschy art into the exhibition space, betraying the normal expectation of art in white cube. Choi sees cheap, anti-aesthetic wall stickers with a flower motif are used to decorate pillars, walls, bulletin boards, and even entrances of subway stations. Similarly, Kookmin Manifesto (2012) shows a slide of kitschy landscape images of calendar, along with the bold, declaring sound of orating K-pop lyrics, questioning mass psychology related to today’s pop culture.
Jeong Sik Ham produces a series of music videos of hymns. Today it is not strange to encounter melodies and lyrics of hymns, but Ham points out this can cause an individual to face an emotional dilemma. It is not necessarily criticism, but rather close to exposing one’s traumatic circumstance. Turbuk Turbuk (2010) is a short video playing two—left and right—segments of a person walking, each of them filmed separately. Two legs are met and dislocated from time to time, making ridiculous moves.
관람안내
참여작가: 강정석, 김다움, 김동규, 김실비, 로와정, 서보경, 이병수, 이양정아, 정승일, 최윤, 함정식
전시일정: 2014.2.7-5.10
전시장소: 하이트컬렉션
관람시간: 월요일-토요일: 11am-6pm / 일요일, 공휴일: 휴관
전시기획: 사무소
웹사이트: http://www.hitecollection.com
하이트컬렉션은 2014년 첫 전시로 젊은 작가들이 주축이 된 «미래가 끝났을 때»전을 개최, 정해진 연령대와 경력이 아닌 ‘다음 세대’라는 관점에서 젊은 작가들을 바라본다. 2월 7일부터 5월 10일까지 계속되는 이번 전시에는 선배 작가 김홍석, 박찬경, 안규철, 오인환, 정서영, 정연두의 추천으로 선정된 11명(팀)의 후배 작가 강정석, 김다움, 김동규, 김실비, 로와정, 서보경, 이병수, 이양정아, 정승일, 최윤, 함정식이 참여한다.
이들은 88만원 세대, 삼포족, 이태백 등과 같은 신조어들이나 사회의 일방적인 시선이 지금의 젊은 세대를 규정짓는 현상에 대해 문제의식을 느끼고, 정치, 경제, 사회, 문화적으로 시대적 감수성을 공유하는 작가들이다. 작가의 개인적 경험에서 비롯된 동시에 사회적 공감대를 형성할만한 소재로 작업하며 자신들의 세대에 대해 이야기한다.
전시 제목 «미래가 끝났을 때»는 프랑코 베라르디 비포의 『프레카리아트를 위한 랩소디』의 제 1장의 제목을 인용한 것으로, 당시 비포의 눈에 비친 1977년의 상황과 2014년 현재의 상황이 상당히 비슷하다는 점에 주목한다. 1977년은 가속화된 산업화로 인해 자본과 노동자 간의 갈등이 빈번하고 정보기술의 도약이 시작되고 있던 해였다. 37년이 지난 지금도 정보산업 기술은 지속적으로 발전하는 반면, 모두가 삶에 대한 불안정성을 껴안고 무한경쟁 사회에서 살아남기 위해 몸부림 친다. «미래가 끝났을 때»는 이러한 불안정하고 모호한 현재, 37년 전의 젊은 세대였던 지금의 기성 세대가 쌓아온 시간 속의 ‘오늘’을 살아가는 작가들의 시선과 생각을 보여준다.
하이트컬렉션은 기존의 지원 공모 프로그램에서 형성되는 경쟁구도를 따르지 않고 동시대 미술과 보다 적극적으로 호흡할 수 있는 젊은 작가들의 전시를 구상했으며, 경쟁을 벗어나 세대 간의 소통을 보여주기 위해 선배 작가가 후배 작가를 추천하는 방식을 택했다. 전시 도록에는 젊은 작가들의 작업에 대한 선배들의 글과 인터뷰를 실어 젊은 세대와 기성 세대의 예술관, 세계관, 그리고 관점의 차이를 보여준다.
강정석의 ‹야간행›(2013)과 ‹고무인간의 껍질›(2014)은 기성 세대가 만들어 놓은 잣대, 즉 사회나 타의에 의한 시선이 아닌 작가 주변에서 작업이 출발하지만 결국 자기 세대들에 대한 이야기로 확장되는 작품이다. ‹야간행›(2013)에서 친구들과 겨울 야산을 오르며 툭툭 열거하는 이들의 10년 간의 삶의 궤적은 20대라면 대부분 겪었을 만한 것들이다. 그러나 학업, 아르바이트, 군대, 연애 같은 사건의 반복은 자발적인 사건들이라기보다는 사회구조적 틀임을 알 수 있게 한다.
김다움은 전시의 흔적에 대한 작업을 진행한다. 전시가 남기는 것들 중 하나인 플로어플랜은 전시장을 떠나면 구겨지거나 버려진다. ‹컴필레이션›(2014)은 편집 앨범처럼 여러 전시의 흔적을 모아 종이 위의 컴필레이션 전시를 만든 것으로 또 다른 층위의 전시 경험이 된다. 한편, 전시가 종료되면 그 사이 존재했던 과정과 관계는 지워지고 공간은 화이트큐브로 돌아간다. 작가는 이런 관계와 기억의 흔적을 공간에 남기고자 전시장 벽에 영화 ‘다크나이트’의 조커의 대사이기도 한 “If someone hates u for no reason give that jerk a reason”이라는 문구를 새기고 파낸 뒤 다시 그 흔적을 덮어버리는 작업을 진행했다.
김동규는 버려진 이미지의 뒷이야기나 운명에 관심을 갖는다. ‹탈출용 못걸이›(2013)는 작가가 동묘 벼룩시장에서 구입한 중고 추상화 한 점의 과거를 추적하는 이야기다. 물건의 유통과 소비는 여러 경로와 시간에 걸쳐서 이루어지기 마련이지만 이 그림은 어떻게 벼룩시장에 오게 됐을까? 이러한 호기심은 그림의 과거를 추적하게 했고, 이것은 동묘 시장 일대의 개발 역사, 한국 근 현대미술의 역사 등이 얼키고 설키는 거대한 다이어그램이 되며, 결국 그림 한 점의 과거가 아닌 우리 사회가 이미지를 수용하고 소비하는 역사에 대한 추적이 된다.
김실비의 ‹M을 위한 노래›(2013)는 오늘날 예술가로서의 자기 인식과 그 실천 방식에 대한 고민의 일부다. 김실비는 일본 모모시마 아트 베이스 프로젝트에 초대받으면서, 한시적인 방문을 통해 작가가 과연 무엇을 할 수 있을까 고민을 하게 된다. 작가는 전시를 위해 모모시마로 출발하기에 앞서 이곳에서의 체류가 어떨 것이라는 예상을 해보았고 이후 실제 현지에서 촬영한 이미지를 얹어 ‹M을 위한 노래›(2013)를 만들었다. 그러나 이 영상은 사실과 허구를 명확히 구분할 수 없도록 만든 한편의 신화이고 이를 통해 미지의 장소에 대한 짧은 지식과 체류로 어떤 선언을 쉽게 내리곤 하는 행태에 대해 작가로서의 윤리의식을 드러낸다.
로와정이 최근 몇 년 동안 구조적 모순을 지닌 기성 미술계의 시스템과 충돌하면서 겪은 환경의 변화는 이들로 하여금 주변의 미시적인 것들을 유연함과 유머로 환기시키는 힘을 기르게 했다. ‹두 개의 시간›(2013)은 이들이 한해 동안 파리에서 사용한 두루마리 휴지의 심지를 모아 만든 휴지와 또 하나의 두루마리 휴지를 병립시킨 작업이다. ‹시그니처›(2013) 역시 파리에서 거주한 공간에 먼지로 서명을 남긴 작업이다. 현대미술에서 작가의 서명은 미술이 아니었던 것도 미술로 만든다. 로와정은 이러한 서명 자체를 작품화 해버리지만 이는 본디 그 공간 안에 있는 먼지들이며 자칫하면 날아가 소멸하는 것들이다.
서보경의 ‹여름휴가›(2013)는 광활한 자연에서 한 여성이 뛰어 다니고, 물벼락을 맞고, 바람에 맞서는 등 언뜻 보면 뚜렷한 목적이 없는 행동을 보여준다. 흥미로운 점은 들판, 바람, 물, 바위 등의 자연이 여성의 신체나 행동을 두드러지게 만든다는 것이다. 이는 관객으로 하여금 풍광을 만끽하자니 조금 불편하고, 여성의 행동을 간파하자니 조금 낯선, 즉 모호함의 상태로 몰아가는 역할을 한다. 특히 풀밭에 무방비 상태로 누운 여성을 향해 쏟아지는 물벼락과 이에 굴하지 않는 여성의 대비는 일반적인 휴가지에서의 상황으로는 생경한 것이다. 서보경은 평범한 일상과 돌출적인 개입을 교차시킴으로써 일상 생활에 내재되어 있는 불안을 보여준다.
이병수의 ‹102장의 희망›(2011)은 젊은 세대들이 처한 사회 경제적 현실을 작가의 개인화된 경험을 통해서 드러낸다. 이병수는 ‘희망’이라고 하는 추상적 개념을 자전거 여행이라고 하는 구체적 경험이자 고행적인 노동을 통해서 현존하는 일상의 장소들에서 찾아낸다. 내비게이션의 안내에 의존할 뿐 그 추상적 의미만큼이나 임의의 목적지라 할 수 있는 희망은 현실에서 구체적인 모습으로 마주하기까지 막막하고 고된 여정이 필요하다.
이양정아의 300/20 프로젝트는 서울에서 보증금 300만원과 월세 20만원으로 살 수 있는 집을 찾는 프로젝트로, 부동산이라는 가치 체계이자 경제 지표를 개인화된 경험을 통해서 들여다보게 한다. 이양정아는 사회구조적으로 결정지어진 삶의 조건들과 지표들에 개인의 삶이 평가되고 가치 매겨지는 관계를 역전시켜 이를 자신의 방식으로 재평가하는데, 특히 300만원으로 구입 가능한 면적을 촬영한 ‹서울시 종로구 이화동 9-14번지, 188.4m2 중에 0.31m2›(2012) 등의 사진 7점은 부동산 가치를 물리적 공간으로 환산했다가 이를 미술의 모습으로 탈바꿈시킨 결과다.
정승일은 ‹당신은 어디에 있나요›(2014)로 공간을 새롭게 경험하게 함으로써 공간에 개입한다. 반사라고 하는 단순한 원리로 공간은 파편화되는데, 정사면체에 가까운 뿔, 첨탑처럼 뾰족한 뿔, 그리고 납작하게 누운 뿔 등 여러 각도의 경사면에 부착된 거울들이 전시장 곳곳을 비춤으로써 예상치 못한 장면과 공간감을 만들어낸다. 현대미술이 유려한 언어와 이론으로 무장하곤 하지만 쉽게 이해할 수 있는 미술을 추구한다고 한 바 있는 정승일은 절제된 작업 방식으로 오히려 관람자에게 직접 경험하고 사색할 여지를 준다.
최윤은 서울 지하철 역사 곳곳에서 꽃, 나무, 하늘 등 자연에서 모티브를 따온 저렴하고 반미학적인 스티커 벽지들이 기둥, 게시판, 화장실 입구 등의 데코레이션 용도로 흔히 쓰이고 있는 것을 목격하고, 이러한 키치(kitsch)적 속성을 갖는 소시민들의 미감을 전시장 안으로 끌고 온다. 이는 전시장 화이트큐브에 안착하는 예술은 어떨 것이라고 하는 기대를 비껴간다. ‹국민 매니페스토›(2012) 역시 산수풍경을 담은 전형적인 달력 사진을 화면에 깔고 대중에게 익숙한 케이팝을 선언문적인 웅변으로 바꿔버림으로써, 대중에게 대량으로 주입되어 소비되는 대중문화와 관련한 대중심리에 의문을 던진다.
함정식은 찬송가로 뮤직비디오를 제작했다. 우리는 찬송가도 대중가요처럼 어디서나 쉽게 들을 수 있는 시대를 살고 있으며, 가끔 종교적 신념과는 무관하게 따라 부르거나 흥얼거리기도 한다. 하지만 작가는 이렇게 맞닥뜨리게 되는 찬송가가 한 개인에게는 감정적인 딜레마를 줄 수 있다는 점을 지적하는데, 이는 회의나 비판보다는 종교를 떠난 개인의 딜레마적 상황을 그대로 드러내는 것에 가깝다. ‹터벅터벅›(2010)은 한 사람의 걸음을 시간대를 달리하여 촬영한 후 좌우를 반씩 이어 붙인 영상으로, 분리된 두 다리는 만나기도, 어긋나기도 하면서 우스꽝스럽지만 그럴 듯한 걸음을 만든다. 이는 우리의 삶 역시 어긋나있던 것들이 만나면서 하나가 되는 듯 하다가도 금방 기이한 걸음을 만들어버리며 진행되는 것은 아닐까 하는 생각을 하게 만든다.
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