Final Fantasy | Past Exhibitions at HITE Collection



· 강정석 Kang Jungsuck

· 권경환 Kyunghwan Kwon

· 김대환 Dahwan. Ghim

· 김인배 Inbai Kim

· 김지영 Gi Young Kim

· 너님고속 NNExpress

· 이소영 Soyung Lee

· 최수정 Soojung Choi


Installation Views


Media Coverage








Exhibition Information


Artist: Kang Jungsuck, Kyunghwan Kwon, Dahwan. Ghim, Inbai Kim, Gi Young Kim, NNExpress, Soyung Lee, Soojung Choi

Exhibition Dates: Oct 20 – Dec 2, 2017 (Opening : Oct 19, 2017. 6pm)

Exhibition Space: HITE Collection

Opening Hours: Monday-Saturday: 11am-6pm / Sunday, Holiday: closed
Admission free

Hosted by HITE Foundation, Supported by HITEJINRO Co.,Ltd.


HITE Collection presents Final Fantasy, a group exhibition with eight artists held from October 20 to December 2, 2017. This exhibition includes works by artists Soojung Choi, Dahwan. Ghim, Kang Jungsuck, Inbai Kim, Gi Young Kim, Kyunghwan Kwon, Soyung Lee and NNExpress. By employing different media such as video, installation, sculpture, photography and painting, the exhibition approaches the notion of fantasy in the realm of art. Art, at times, alienates familiarity and comfort of the real to trigger imaginations of possible new worlds. This aspect of art also motivates artists to attempt exposing contradictions caused by the clash of strange and dissimilar things in their works. At the same time, their immersion into an extremely meticulous logic or a new system connects to subjective and transcendental daydreams. Therefore, the notion of fantasy within art evokes imagination of unknown spheres beyond reality and inspires the ones in pursuit of novelty. Otherwise, this approach could be also simply called a dreamlike journey.
“Phantasmagoria is a small planet discovered after a journey in slumber. This small story was about the life on the planet.”

Every episode of Shigeru Tamura’s Phantasmagoria (1995) ends with this closing line. On the planet of Phantasmagoria, there is a guardian who projects constellations to the sky switching accordingly to the season, a factory where color is produced out of cutoff parts of rainbow and also a digital area where every form turns square-angled. Consisting of fifteen short animated films, Phantasmagoria’s episodes narrate that this planet and its daily routines exists somewhere, without explaining any background or causality. Comparable to this animation, eight artists participating to Final Fantasy present their own episodes around the idea of ‘fantasy.’ Since fantasy hadn’t been a direct focus of their past and recent practices, the exhibition could be rather described as an anthology that is based on my own fascination of fantasy as a journey in slumber. The exhibited works are responses of the artists to my proposed keyword of ‘fantasy,’ yet each is an individual myth cultivated within their own thoughts and imagined systems.


Soojung Choi presents a series of her paintings, such as the recent painting installations Homosentimentalis (2016), Painting Cave/Cave Painting (2017) and Bottom to Top, Left to Right and Vice Versa (2017). While painting, Choi concentrates on the development and inspiration of her thoughts, obsessions on certain contexts and fluid reflections to convey them onto her canvas. Furthermore, by installing her canvas not limited to the framed surface yet considering elements in the physical space such as light and shadow, she experiments the borderline between ‘theatrical painting’ and ‘painting theater.’ Also included in the current exhibition, Painting Cave/Cave Painting applied hinges for installing the paintings, based on an initial note by Choi: “the light reveals images on a surface. Surfaces that are open from the wall cast shadows behind their own surfaces. The black space created by the shadow is a place dedicated to daydreams while functioning as their stage as well.” In line with the idea that in the dark the tactile prevails over the visual, she intensified the sense of density through her method of embroidering on acrylic-painted canvas. Each canvas of Bottom to Top, Left to Right and Vice Versa has radial composition and it is impossible to distinguish neither the bottom from the top nor left from right. At the same time, the two panels look alike but they are also clearly different. Her paintings’ structure of jumbled time and space is related to the structures of novels with the narrative flow similar to Italo Calvino’s science fictions Cosmicomics (1965) or Alain Robbe-Grillet’s Jealousy (1957).


Dahwan. Ghim’s oil clay sculptures refer to classical motifs of The Three Sages from Paju, the area where Ghim grew up. Legendary Faces (2017) and High Relief, Low Relief (2017) depict the faces of philosophers and politicians from Chosun Dynasty period: Hwang Hui, Yi I and Yi Hwang (the third person of the original Three Sages is Yoon Kwan, yet the artist switched him with Yi Hwang). Ghim’s Legendary Faces is a symbol of a sage (or ‘the master’) and questions the meaning of the final stage of enlightenment or of an ultimate master. Similarly, Nan (2017) – the title is a phonetic transcription of orchid in Korean – reenacts painting tradition of the Four Gracious Plants (plum, orchid, chrysanthemum and bamboo), formed applying clay onto free-standing glass panels. It leads the viewer to the reflection on the sense of mastering a level, the expression intrinsic to a trained hand and the significance of what hands do. The soft texture of oil clay that he usually uses reminds of moist skin. From the humidity of air or skin, he imagines the origin and existence of things and beings that have been neglected through history.


From questioning whether one could become the other, Kang Jungsuck explores possible methods to become Nayeon, a member of K-Pop girl group TWICE. Entering the 2010s, artificial intelligence started to indicate different possibilities equivalent to human functions and values. This technical development leads us to ontological reflections around the question of becoming another type of being. The image of Nayeon occurred to Kang since she is one of the most popular artists heavily consumed in and around South Korean society. The choice also reflects the current popular culture and the informative sphere where post-truth dominates, for example evident in fake social network accounts of celebrities. Kang points out that “innumerable data either virtualizes our life or operates by enclosing virtuality within different spheres of life.” Kang’s essay on whether he could become the other will be inserted to the exhibition catalog of Final Fantasy, while his exhibited works from Game II series were produced through the process of replicating, warping and projecting the image of Nayeon under a certain situation.


Inbai Kim’s practice focuses on visual process of distorting the prejudices about time, space and dimensions. Forming shapes, he prioritizes his physical sense and alters temporal measures from our known states. For him, especially sculpture is not to be confined by the notion of plastic mass. He redefines it as multiple dimensions coexisting through points, lines and surfaces. In this exhibition, Kim presents Count (2017), Gendarloake (2013) and Pin Hue (2013) that commonly involved numbers 1 and 2. In Gendarloake, one head divides into two, while two pieces of Pin Hue face it and associate to the relation of 1:2 or 2:2. In contrast, the pointy tips of Pin Hue are results made of sharply converging lines, and they rather dissipate into 0 than indicating 1. Count, analogously, is a pair of minuscule feet connected to two inflated bodies and it is up to the viewer to judge whether the work has singular or double body. From the other side of the space, a piece of head faces the body and throws its gaze toward the unreachable body (of its or the other’s own).


Gi Young Kim exhibits a series of drawings and processes where she visualized feelings and psychological states. Square surface, often applied in Kim’s work, is a metaphor for time and space as well as a place for feelings. The geometric lines and figures and subtly arranged ‘cells’ of sentiments are key elements of the artist’s drawings. Kim calls them ‘affective cells’ and they indicate different sentiments through their positions, gaps, numbers and colors on the plane and gain certain musical value, appearing like a score altogether. Whereas they rather result in simple visuality, the process of production is extremely systematic and complicated. The process drawings are added to the exhibition to activate the viewers’ understanding of this process.


Kyunghwan Kwon’s exhibited video and installation is based on his research executed in Andong, Gyeongsangbuk-do Province, where he was born. As artist who left the hometown to settle down in Seoul, he’s been interviewing old friends who settled back in Andong after having lived elsewhere or various group of people from elsewhere who chose to live in Andong. Interviewing them, Kwon came to perceive himself as an actual alien and the experience led him to reconsider the notions of migration and hometown as well as the fantasies innate to them. On the other hand, Pungsan, a neighboring town next to the artist’s hometown, has a name that has been used since Hubaekje Era (892-936). During his research, Kwon discovered that an eponymous town exists also in North Korea and the circumstances how local species from North Korea such as Pungsan Dog or Pungsan spruce were brought to South Korea. However, the one and only Pungsan spruce planted in Hongneung Arboretum, Seoul died frozen in 2010, after having survived since it was brought from Pungsan, Hamgyong Province, North Korea in 1923. After the incident, Korea Forest Research Institute grafted it to Jezo spruce to keep it alive. This young Pungsan-Jezo spruce tree has survived since then. For the artist the tree appeared equivalent to the second generation of displaced lives from North Korea to South Korea. Kwon dreams of harvesting the seeds of the tree from the arboretum to procreate it throughout South Korea, perceiving it to be the most revolutionary attitude parallel to the current political situation between divided Koreas.


Soyung Lee’s A Nation of the Hairless (2015, 2017) consists of two videos, each shot at Vientiane Buddha Park, Laos and Shanghai. The series defines hairless body as a symbol of progress and evolution. In the video, a day is depicted when hair is found grown again on the protagonist’s refined body and gets neglected as a shameful sign of deterioration. At the same time, hair is a token of regression as well as a principle of discriminating heterogeneous members. As such, hair becomes a threat to the human kind that live in blind pursuit of civilized development or progress. While the two exhibited videos deliver a common message, they differ in their formalistic aspects affirming the artist’s distinct experimental style. The 2015 version shot at the Buddha Park is guided by a narrative text which is read by a computer voice, an element that exposes Lee’s interest in the relation of voiceover and moving image, while the Shanghai version unfolds as a chain of moving images. The viewer is invited to actively perceive both channels simultaneously to create the context connecting two videos, through a constant synthesis of the figures’ lines and the images.


NNExpress reconstructed Compressed Piece (2015) and Myramid (2015/2017) from the version exhibited at a previous show entitled Future Style (2015). Additionally they produced new pieces of Heehyang 1 and 2 (2017) which were conceived together previously but never realized. The work group deals with how the effect of hatred that rampantly spreads in South Korea visualizes itself. The contempt and prejudice is easily consumed, saved and appropriated in the form of simple contents. For the artists, this symptom is a form of fantasy that current ‘dystopia online’ urges to annihilate. The images in their work are sourced from preexisting imageries depicting either contempt and prejudice or the resistance against them. For example, the images of hatred or scenes of gender discrimination present in the video of Myramid are from early 20th century cartoons or illustrations as female suffrage was acknowledged in Europe, while Heehyang 1 and 2 were produced referring to Valie Export’s Action Pants: Genital Panic (1969).


The exhibition title of “Final Fantasy” is, on the other hand, the title of a roll-playing video game that was first launched almost thirty years ago, boasting of fifteen titles released so far. Initially, “Final Fantasy” was released as the last attempt by Square Enix, the developer and publisher, before their planned withdrawal from video game business. Since the original, the journey has never finished, persisting over the past thirty years. Square Enix must have also considered “Fighting Fantasy” initially as another candidate for the title, but they had to give up that name due to an already existing board game. What a relief! And now again, let’s keep on fighting in fantasy!






참여작가 :  강정석, 권경환, 김대환, 김인배, 김지영, 너님고속, 이소영, 최수정

전시기간 : 2017. 10. 20 – 12. 2 (개막행사 2017. 10. 19 오후 6시)

관람시간: 월 – 토  11시 –  6 시,  일/공휴일 휴관

입장료: 무료

주최: 하이트문화재단, 후원: 하이트진로(주)



하이트컬렉션은 2017년 10월 20일부터 12월 2일까지 8명/팀의 작가들이 참여하는 《파이널 판타지》를 개최한다. 이 전시는 강정석, 권경환, 김대환, 김인배, 김지영, 너님고속, 이소영, 최수정이 참여하여 영상, 설치, 조각, 사진, 회화 등 다양한 매체의 작업을 통해서 예술의 환상성에 대해 다뤄 보고자 한다. 예술은 때때로 현실의 친숙함과 안락함을 낯설게 전환시켜 새로운 세계와 그 가능성에 대해 상상케 하는 역할을 한다. 이는 예술가들이 낯설고 이질적인 것과의 충돌로 야기되는 모순을 드러내는 시도를 끊임없이 하는 이유이기도 하다. 또한 극도의 치밀한 논리나 새로운 체계에 대한 몰입은 주관적이며 초월적인 공상과 연결되기도 한다. 그래서 예술이 지닌 환상성은 현실을 넘어 미지의 영역에 대한 상상력을 불러 일으키고 새로움을 추구하는 이들에게는 영감을 준다. 동시에 그저 꿈 같은 여정이기도 하다.

“꿈속의 여정 끝에 발견한 소행성 판타스마고리아. 이것은 이 별에서 일어나는 소박한 이야기입니다.”

타무라 시게루의 애니메이션 ‘판타스마고리아(Phantasmagoria)’의 모든 에피소드는 이 인사말로 끝이 난다. 계절마다 별자리를 영사기로 틀어주는 별지기가 살고, 무지개를 깎아 그림물감을 만드는 물감공장이 있고, 뭐든 사각이 되는 디지털 지대도 있는 곳. 15편의 단편묶음인 ‘판타스마고리아’는 별다른 기승전결 없이 어디선가 이 별이 존재하여 소박한 일상이 진행되고 있을 것 같이 이야기 한다. 이 애니메이션  ‘판타스마고리아’처럼 《파이널 판타지》에 참여한 여덟 명/팀의 작가들도 ‘판타지’에 대한 8편의 단편묶음을 관객들에게 선보인다. 물론 이 작가들이 ‘판타지’라는 키워드를 직접적으로 다루며 작업을 전개해온 것은 아니니, 전시는 꿈속의 여정 같은 판타지에 홀릭된 기획자가 끌어 모은 옴니버스에 가깝다. 출품작들은 기획자가 제시한 ‘판타지’라는 키워드에 대한 작가들의 화답이자 리액션이긴 하나 각자 자신들의 사고와 상상체계 내에서 일군 신화들이다.

한편, ‘파이널 판타지’는 지금까지 본편만 15편이 출시된 30년이 되어가는 롤플레잉 게임의 제목이기도 하다. 제작사 스퀘어 에닉스는 게임 사업 철수를 고려하면서 마지막으로 도전하는 판타지 게임으로 ‘파이널 판타지’를 내놓았고, 그 마지막은 지난 30년 간 지속되면서 끝이 없는 여정이 되었다.



강정석은 “내가 타자가 될 수 있을까?”라는 질문에서 시작하여 아이돌 그룹 트와이스의 멤버 나연이 되는 방법에 대해 탐구한다. 2010년대에 들어서면서 AI는 인간과 견줄만한 여러 가능성을 지니게 되었고 이러한 기술적 발전은 다른 존재가 되는 문제에 대해 존재론적 성찰을 하게 만든다. 작가는 타자가 되는 방법으로 한국 사회에서 가장 많이 소비되는 아이돌의 이미지를 떠올리고 그 중에서 트와이스 나연을 선택했는데, 연예인 사칭 계정 등 포스트 트루스가 만연한 오늘날의 대중문화와 정보 생태계를 반영한 것이기도 하다. 또한 작가는 “오늘날 수많은 데이터가 우리의 삶을 가상화하거나 가상을 삶의 영역 속에 가두는 방식으로 작동”함을 지적한다. ‘내가 타자가 될 수 있을까?’에 대한 강정석의 글은 《파이널 판타지》 전시 도록에 수록될 예정이며, 출품작 <게임 Ⅱ> 시리즈는 나연에게 가정된 상황의 이미지를 복제, 와핑, 프로젝션 하는 과정을 통해 제작되었다.


권경환은 작가의 고향인 경북 안동에서 진행한 리서치를 토대로 한 영상과 설치를 선보인다. 고향을 떠나 서울살이를 하는 입장의 작가는 타지 생활 후 안동으로 귀향해 정착한 친구나 타지 출신이지만 안동에 정착해 살아가는 다양한 군상의 인물들을 취재해왔다. 작가는 이들을 취재하는 자신이야말로 이제는 이방인이라는 생각에 이르렀고, 이주와 고향에 대한 개념, 여기에 내재된 판타지를 생각하게 되었다. 한편, 풍산은 작가가 성장한 마을의 이웃마을로 후백제 때부터 불려진 지명이다. 리서치 중에 작가는 동명의 지역이 북한에도 존재하였고 북한으로부터 풍산개, 풍산종비나무 등이 남한으로 전해진 사연에 대해서도 알게 되었다. 그런데 1923년 함경도 풍산군에서 서울 흥릉수목원에 옮겨진 남한에 한 그루밖에 없는 풍산종비나무가 2010년 동사했고, 국립산림과학원이 이 나무의 후손을 얻기 위해 가문비나무에 접붙이는 방식으로 어린 풍산가문비나무를 키우고 있다고 한다. 작가는 실향민 2세격인 이 나무가 있는 수목원에 들어가 씨를 받아 남한에 퍼뜨리는 꿈을 꾸는데, 이것이 남과 북으로 갈라진 현재의 상황을 비유하는 가장 혁명적인 태도라고 본다.


김대환은 작가가 성장한 파주 지역에 널리 알려진 역사적 인물인 파주삼현(황희, 이이, 이황(원래는 윤관이나 작가는 이황을 삼현에 포함시킴))의 얼굴을 빚은 <삼두상>과 <고부조저부조> 등 유토로 제작한 설치 작업을 선보인다. 그의 <삼두상>은 현자(마스타)에 대한 상징으로, 이룰 수 없는 경지, 궁극의 마스터란 무엇인가 질문을 던진다. 또한 사군자 중 하나인 난을 치는 그림을 유리 위에 유토로 그린 <난치기> 역시 경지에 도달한다는 것, 또는 손맛, 손이 하는 일이 무엇인가에 대해 생각해보게끔 한다. 김대환이 즐겨 쓰는 유토의 촉촉한 질감은 피부의 습기를 상기시키는데, 그는 공기나 피부의 습기에서 역사가 지연시킨 것들의 기원이나 존재를 상상하곤 한다.


김인배는 시간이나 공간, 차원에 대한 고정 관념을 비트는 조형 작업을 해왔다. 형태를 만들어 나갈 때 몸의 감각을 우선시 하고 시간의 척도를 비틀어 생각해 온 그는, 특히 조각을 덩어리라는 입체로 국한시키지 않고 점, 선, 면 등 여러 차원이 공존하는 것으로 시도해왔다. 이번 전시에서 그는 <겐다로크>와 <핀 휴>, 그리고 신작 <개수>를 선보이는데 모두 1과 2라는 수를 상정하고 있는 점이 특징이다. 하나의 머리가 둘로 분화되는 <겐다로크>와 이를 마주하고 있는 두 <핀 휴>는 1:2 또는 2:2의 수를 상기시킨다. 그러나 날카로운 선으로 봉합된 <핀 휴>의 머리는 각각 1이라기보다 0에 가깝다. <개수> 역시 두 개의 부푼 몸에 한 쌍의 발이 짝을 이루는데, 이를 하나로 볼 것인지 두 개의 몸으로 볼 것인지는 관람자의 몫이다. 한편 맞은 편의 두상은 닿지 못하는 (자신 혹은 타인의) 몸을 향해 뭉툭한 점으로 시선을 겨누고 있다.


김지영은 감정과 심리 상태를 시각적으로 표현하는 일련의 드로잉과 과정들을 선보인다. 그가 주로 다루는 정사각형 평면은 시공간에 대한 은유이자 감정의 공간이다. 이 사각 평면 위에 펼쳐지는 기하학적 선이나 도형들, 그리고 세심하게 배치되는 감정 세포들은 작가가 다루는 핵심적인 드로잉 요소들이다. 감정세포로 지칭되는 작은 셀들은 평면 상의 위치, 간격, 개수, 색채에 따라 표현하는 감정이 다양하며 악보처럼 음악적 요소도 지니고 있다. 한편, 결과적으로는 심플하게 제시되는 드로잉들이지만 도출해내는 과정은 매우 지난하면서도 체계적이기 때문에 이를 이해할 수 있도록 과정 드로잉도 함께 전시된다.


너님고속은 은 2015년 참여했던 그룹전 《퓨처 스타일》에 출품했던 <미라미드>와 <컴프레스드 피스>를 다시 선보이며, 당시 함께 구상했으나 실행시키지 못했던 <희향 1, 2>를 새로이 제작해 전시에 포함시켰다. 이 작업은 한국 사회를 잠식해나가는 증오라는 정서가 스스로를 시각화하는 방식에 대해서 다뤘다. 작가들에 의하면 타자를 향한 경멸과 편견을 가벼운 컨텐츠 형태로 한없이 소비, 저장, 인용하는 것은 현재 온라인-디스토피아가 무력화시키고자 하는 판타지의 한 형태다. 작업의 소스들은 기존재하는 경멸과 편견을 묘사하거나 도발, 저항하는 이미지들인데, <미라미드>에 등장하는 영상은 유럽에서 여성 참정권이 인정된 20세기 초 만화나 삽화에 등장하는 혐오나 성차별적 장면들을, <희향 1, 2>는 발리 엑스포트(Valie Export)의 1969년 <액션 팬츠: 제니탈 패닉> 시리즈를 참조하여 제작하였다.


이소영은 라오스 비엔티안 부다파크와 상하이에서 각각 촬영한 두 편의 <털없는 이들의 나라>를 선보인다. 두 연작을 통해서 작가는 털이 없는 매끄러운 몸을 진보와 진화의 상징으로 그린다. 어느 날 갑자기 발견된 털은 부끄러움이자 열등의 표식이다. 또한 퇴보의 상징이자 비균질한 구성원을 구분해내는 기준으로써, 털은 문명의 발전이나 진보에 대한 우월감에 도취되어 살아가는 인간에게 내재되어 있는 공포이기도 하다. 한편, 두 점의 출품작들은 동일한 내용이지만 형식적인 측면에서 차이가 있는데, 이는 이소영의 영상 실험의 단면이기도 하다. 2015년 부다파크 버전은 텍스트가 주도하는 영상이라 할 수 있는데, 뿐만 아니라 컴퓨터가 텍스트를 읽음으로써 작가의 관심사 중 하나인 영상과 더빙의 관계에 대해 생각해보게끔 한다. 반면 2017년 상하이 버전은 텍스트보다는 영상 중심으로 전개되는데, 관람자는 동시에 두 화면을 보면서 전체적인 맥락을 짚어야 하며 인물들의 대사와 화면 영상들을 끊임없이 종합해서 파악하려는 노력을 해야 한다.


최수정은 최근 몰두하고 있는 회화 설치 작업인 <호모센티멘탈리스>, <그림동굴그림>, <위아래양옆> 등 일련의 회화를 선보인다. 그는 그림을 그리는 동안 일어나는 사고의 전개와 감흥, 강박적 맥락과 유동적인 생각들에 집중하여 이를 회화에 담아낸다. 또한 캔버스 평면에 머무르지 않고 공간의 명암 등 회화를 둘러싼 물리적 공간을 고려하는 설치 방식을 통해 ‘연극적 회화’와 ‘회화적 연극’의 경계에 대한 실험을 시도하기도 한다. 이번 전시의 출품작 중 경첩을 이용해 설치한 <그림동굴그림>은 “빛은 표면 위 이미지들을 드러낸다. 벽으로부터 열린 표면은 표면 뒤 그림자를 드리운다. 그림자가 만든 검은 공간은 몽상들의 자리이자 그들의 무대이다”라는 작가의 메모로부터 시작되었다. 또한 어둠에서는 시각보다 촉각이 더 살아난다는 생각과 함께, 캔버스에 아크릴 물감으로 그림을 그린 후 스티치를 통해 밀도감을 올리는 방식을 취했다. <위아래양옆>은 각각의 그림이 방사형으로 전개되어 사실상 위아래양옆을 구분할 수 없다. 동시에 두 점의 그림은 서로 닮았으면서도 차이를 두고 있다. 그의 회화의 시공간이 뒤섞인 구조는 이탈로 칼비노의 환상소설 <우주만화>나 알랭 로브그리예의 소설 <질투>와 같은 흐름을 가지고 있는 소설의 구조와 맥이 닿아 있다.

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